成為表演者之前：遺憾舞台系列與蛻變
第一次看韓團舞蹈時，只有一個想法，就是這樣的舞蹈會以什麼方式放上大舞台？這些細
碎多變的帥氣性感、賣萌、swag的舞步，一旦脫離攝影機的跟拍特寫，放在100m以上的現
場距離上，還能呈現給觀眾一樣的效果嗎？
現場舞台的成功與否，可以簡單分為兩個層次：舞蹈的編排技巧有沒有根據整體場地特性
進行規劃設置，能不能在現場也達到觀賞舞蹈的良好視覺效果，是屬於演唱會的製作位階
；第二個則是作為舞者/表演者，到底有沒有足夠撐起這個規劃的現場的實力。表面上看
似後者更重要，然而實際上往往連前者都做得很糟，連表演者程度都不用討論，就是個注
定失敗的舞台。
而kpop偶像的舞蹈更是應該對現場製作有更高的敏感度，因為它本身先天舞蹈特色就是比
起現場更適合綠影，要讓原本設計於攝影的舞蹈，改編為適合現場的版本，需要相當多的
配置改動。
以韓團引以為傲的刀群舞作為例。kpop的舞蹈以正如前文曾說明的，以簡化的urban
dance為主，重視視覺效果，而因為本身產業特色重視影視文化輸出，因此編舞本身立意
不重視現場，而重視攝影錄像。團體成員多且並非每個人都擅長舞蹈，舞蹈錄影效果需要
好並且要給觀眾留下強烈印象，這樣的需求導致了舞蹈動作細緻而變化繁雜同時大陣仗整
齊劃一的刀群舞的常見韓團舞蹈模式被建立。尤其刀群舞的表演模式幾乎滿足了上述兩項
偶像團體舞蹈需求，整齊度在所有舞蹈能力中最容易練成，即使毫無舞蹈基礎基本上也可
以透過長時間訓練達到，不需要實質技巧與其他各項舞蹈能力素養，而大群舞幾乎強迫症
的整齊感，具有顯而易見的震撼力，配合上隊形走位，很容易讓大眾認為舞蹈難度高而產
生敬佩。甚至就專業舞蹈角度來看，舞蹈即使上不了檯面，也能說一句沒有功勞也有苦勞
。
然而這樣的舞蹈，放到了演唱會的大舞台上，則會發現刀群舞的力量和動作細緻度，非常
容易被場地尺度與空間感吃得一乾二淨。在攝影機跟拍中顯得酷炫帥氣的動作，以台下觀
眾肉眼視角來說往往看起來就像比畫兩下，力道與動作都難以展現。而為解決這樣的問題
，常見的應變方式就是用上更多的背景舞群，進行人海戰術，達到舞台應有的視覺效果。
以上是群舞狀態下舞蹈呈現的侷限性，也說明每個舞蹈特性與編排方式都有它適合的觀賞
空間。而作為kpop舞蹈風格中主流的street dance和jazz，其實本身不適合大規模舞台，
因此對於演唱會的舞蹈編排與製作，韓團需要更謹慎精細對待。
而作為street dance之一，popping也是一個並非那麼適合遠看、放在大空間的舞蹈類別
。作爲正統popper出身，在早期的個人dance break、solo part鄭號錫基本上都是非常典
型的popping，pop、roll、wave、cobra、fresno等元素混用。然而若細究舞台，這樣的
典型popping在大舞台上卻很容易顯得找不到施力點，不懂舞的觀眾既看不出他表現在哪
裡，也看不出這舞台有什麼爆點。而且透過攝影機錄像，細節更被吃掉，讓本來在遠望舞
台尺度下已經顯劣勢的舞蹈更被破壞殆盡。
其中較明顯的幾次如下。
141203MAMA與BlockB合作舞台，拍攝距離一拉遠，細節小幅度pop變無力，編好的routine
被導播切的感覺完整度低。
https://www.youtube.com/watch?v=fXCLCmMrlzQ
141226 KBS歌謠大祝祭，是早期傳閱度較廣的舞台，鏡頭的晃動讓本來細節多的pop看起
來紊亂，而牽引上拉的動作則在舞台尺度下無法突顯應有的牽動質地。和小空間的練習室
版本相比，現場舞台的肢體質地處理被削弱很多。
https://www.youtube.com/watch?v=fFEfgdx_txQ
https://www.youtube.com/watch?v=9dbHXn5NM3A
150523Dream Concert夢想演唱會，可以說是最符合現場劣勢與編排不夠謹慎的舞台
routine編排，躺下動作的瞬間只有大嘆息實在失策，在觀眾視線仰角的舞台上做地板動
作等於消失在觀眾視野，完全只能仰賴導播鏡頭給的技巧，而誰都知道導播不可信。
TRILOGY系列演場會2015年EPISODE I BEGINS中固定的舞蹈part也是同樣的編舞，更是明
顯看到在大舞台上，這個popping routine應有的緊繃侵略感與張力都被舞台尺度和燈光
效果給稀釋打亂。
https://www.youtube.com/watch?v=gHjCL6wl3D8
https://www.youtube.com/watch?v=dj42sqcbnCg
以上這些案例可以部分呈現出popping傳統的solo舞蹈在大舞台上的不吃香，讓本身專業
的舞蹈表現變成沒驚喜也不討好的舞台。這樣的舞台呈現，以稍微嚴厲的標準來看，還不
至於是失敗但是遺憾的，無損他是個好舞者，但也就只是舞者而已，要以舞台表演者論之
則還差得遠。然而有趣的正是，從2016年開始他所呈上的舞台作品，都顯示了他顯然他自
己也認知了本身的不足，沒有誰比他自己更清楚認知自己作為popper的先天侷限，而自己
選擇踏出作為舞者之外的嘗試。隨著時間演進與舞台個人發揮空間的增加，他表現出了相
當的積極度來解決自己作為popper但身處大舞台的困境與其可能性，出乎意料——但是讓
人敬佩——地發展出非常鮮明的個人舞台哲學。
這證明他確實值得用更嚴格的標準看待，而舞評因此得以成立。當一個表演者/舞者擁有
自己的意識與理念，它們會投射在他所表演詮釋的舞台之中，也開啟了所有舞評的意義，
也正是這系列文章的緣由。
舞評的成立由很簡單的問題開始：你想跳什麼樣的舞？你在想什麼？而隨著大量不同舞台
的呈現與觀察，迸發越來越多的解析與共鳴，漸漸建構起舞者這個人的舞台哲學與態度。
而他給出的回答，確切而直白，他舞台哲學的發展路徑清晰得讓人意外。
這是一個認知自身侷限，並且克服侷限，最後得以進化的路程，也是為何本系列Just
Dance篇章花了很多篇幅討論他對舞台作為現場的個人表現方法與概念分析。如果說2016
年wing以前他是一個來自地下舞團而在kpop偶像圈摸索自己舞台存在意義的舞者，那wing
以後他則踏入了作為演藝事業界中專業舞台表演者的領域，在跳好舞以外，表演者必須是
舞台與表演的中心。他展現出一種非常有趣的舞台嘗試與野心，放下純粹popping肢體的
鑽研，走上了肢體對於舞台現場性的創造。
當群齊舞消失、肢體敘事被強化、舞蹈和觀眾的隔離被拿去、舞台空間被建構出來、場上
場下關係進入議題討論、現場的意義誕生。他不再只是一個純舞者，成功的蛻變成為掌握
舞台一切脈動的舞台表演者。
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後記
附上原作者的Weebly：https://forhisdance.weebly.com/33310364242356027396
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